Tous deux sont guidés par l'intime conviction que le cinéma est indissociable de l'enfance dont ils ont fait à la fois une origine et un sujet. L'un comme l'autre, enfin, ont eu très tôt conscience que la pratique cinématographique s'enrichissait singulièrement au contact avec les autres arts : photographie, vidéo, arts plastiques, écriture poétique. Plus récemment, ils se sont emparés de petites caméras DV pour révolutionner leur pratique de cinéaste.

Cette exposition compose avant tout un dialogue d'artistes, celui de deux cinéastes dont les parcours de création – malgré la distance géographique et culturelle qui sépare leurs pays respectifs – se sont miraculeusement rejoints dans cet espace d'échange extraterritorial qu'est le Centre Pompidou.

L'exposition a été pensée comme symétrique et réversible. Le visiteur choisit de commencer par l'un ou par l'autre des deux cinéastes, chacun l'invitant à le suivre dès le seuil de l'exposition.

Quel que soit son choix, il est accueilli par une installation d'Alain Bergala, L'Enfance de l'art ou L'Art de l'enfance qui lui permettent toutes deux de se remémorer les films des deux cinéastes et de se laisser porter par les libres correspondances que ces mises en rapport lui suggèrent. Cette exposition est en même temps linéaire et tabulaire. Physiquement linéaire une fois choisi le sens de la visite puisque le promeneur est pris dans un chemin unique et simple qui le conduit de pièce en pièce jusqu'à la fin du parcours. Mentalement tabulaire entre les deux parties de l'exposition car chaque visiteur fait l'expérience personnelle des résonances, des rimes, des correspondances suggérées à sa mémoire par la moitié déjà parcourue.

Son corpus d'œuvres évolue depuis 1996 entre images fixes et images mouvement, images photographiques et images digitales. Influencé tant par la pensée phénoménologique que par les écrits de Gilles Deleuze L'image-temps. L'image-mouvement (1983), David Claerbout développe une photographie du mouvement, une image instantanée en devenir, introduisant depuis 2004 des éléments narratifs, des micro-narrations.

Cinq œuvres projetées se partagent l'espace de 300 m2 : The Stack, 2002, Bordeaux Piece, 2004, Shadow Piece, 2005, et deux nouvelles productions Sections of a Happy Moment, 2007, Long Goodbye, 2007. Elles montrent l'évolution du temps, le déploiement de l'espace, tout au long de cinq œuvres filmées dans des architectures appartenant à notre culture moderne, notre contexte urbain contemporain.

Ainsi Bordeaux Piece (photo), acquise par le Centre Pompidou pour les collections du Musée national d'art moderne, utilise une magnifique maison dans les environs de Bordeaux comme outil pour une approche conceptuelle de "l'espace-temps", une introspection minutieuse du temps dans un espace déconstruit.

« Dans la plupart de mes travaux de ces 10 dernières années, le temps et l'espace sont devenus les points d'ancrage de ma production vidéographique. Dans mes modes de production où la réalité photographique est de plus en plus préconçue, le temps du film semble être la dernière trace du passé analogique. Occupé tant par l'artificialité que par le manque de relief de l'écran ou de l'impression, j'ai souvent eu recours à la photographie d'architecture comme moyen de définir l'espace dans ce que j'appellerais le terrible manque de relief du film ».
Le spectateur est invité à évoluer au sein d'un espace scénographié tout en douceur, dans une semitransparence, éloignant ce dernier des contraintes de la salle obscure de cinéma, et permettant aux œuvres de dialoguer les unes avec les autres.

L'exposition sera présentée après Paris à Cambridge au MIT/List Center (février à avril 2008), au Kunstmuseum de St Gallen mai à juin 2008), à l'UBC de Vancouver (automne 2008), à la DePont Foundation de Tilburg et au Metropolitan Museum of Photography de Tokyo (2009).

« L'atelier d'Alberto Giacometti », en écho au texte de Jean Genet de 1957, développe le sujet de l'atelier dans sa dimension de laboratoire, de lieu rituel, d'espace déterminant dans l'élaboration et la diffusion de l'œuvre. Giacometti et son atelier sont indissociables. Lieu de création et lieu de vie, il est devenu son univers et peu à peu une extension de son être.

L'exposition offre une occasion exceptionnelle de réunir plus de 600 œuvres, dont la majorité provient des collections de la Fondation, complétées par une sélection d'œuvres issues de la collection du Centre Pompidou / Musée national d'art moderne et par quelques prêts de grands musées ou de collections particulières. La richesse des collections de la Fondation permet d'accompagner Giacometti à partir de ses débuts dans l'atelier de son père, en étudiant au plus près sa démarche et les thèmes qui scandent son œuvre.

Rythmée par des archives inédites, l'exposition présente les aspects les plus divers de la production de Giacometti : sculptures, peintures, dessins, objets d'art décoratif, gravures, écrits. Elle fait apparaître la vision très particulière de Giacometti face au réel, mouvant, instable, insaisissable. Comme le souligne le critique David Sylvester, il aspire à « perpétuer l'éphémère ».

Ce collectif, composé d'artistes venus d'horizons différents (peintres, illustrateurs, tatoueurs, graphistes…), a imaginé un espace qui se construit et se transforme au fil des jours et des réalisations. Cinq d'entre eux – Stéphane Carricondo, Jerk 45, Ned, Mambo et Alëxone – investissent cet atelier pour réaliser leurs œuvres face au public.

Peinture fraîche est l'occasion de découvrir la vie et le parcours d'une œuvre : de la réalisation à la présentation dans un musée, dans une galerie ou chez un collectionneur. Entre pots de peintures, toiles en cours et toiles achevées, les artistes et le public se rencontrent au sein de ce grand atelier, lieu de création, de performances ou encore d'animation. À la manière d'un amateur, d'un curieux ou d'un fin connaisseur, petits et grands se rendent au plus proche de l'univers intime de ces artistes et de leurs œuvres.

ANIMATIONS PEINTURE FRAÎCHE

Le tableau éphémère Imaginer les prolongements d'une œuvre : les lignes se rejoignent, s'éloignent, créent des formes au hasard du trait. Un coup de craie, un coup d'éponge… Le tableau se renouvelle sans cesse. Activités(sans réservation) à partir de 6 ans, les mercredis, samedis et dimanches de 14h à 18h.

Le parcours du petit regardeur Observer, regarder, pister, scruter… Une enquête à mener entre l'atelier du 9e Concept et la collection du Musée, à la recherche de drôles de ressemblances. Activités autonomes (sans réservation) à partir de 6 ans, les mercredis, samedis et dimanches de 14h à 18h.

Elle travaille sur des feuilles de papier blanc, de format, de qualité et de tonalités différents, à l'encre de Chine, au fusain, à la gouache et au pastel gras dans une palette réduite allant du gris pâle au noir profond. L'artiste procède ensuite à une sélection de ses dessins et ne garde que les plus essentiels à ses yeux. En dernier lieu, l'accrochage fait partie intégrante du processus créatif. Les dessins sont parfois isolés les uns des autres mais peuvent aussi s'articuler dans des compositions murales conçues en fonction du lieu même.

L'exposition présente une trentaine d'œuvres de Silvia Bächli, depuis ses débuts jusqu'à ses dernières œuvres encore inédites. « Certains de mes dessins sont des amis, des connaissances, des associés… Chacun est un point de référence dans un réseau de relations. Dans ce réseau, il n'y a pas de centre ; ce que je cherche à créer par les espaces est en quelque sorte un équilibre instable ».

Cette sélection provient des enrichissements récents de la collection de photographies du Musée national d'art moderne : quelque 1 750 œuvres - tirages ou négatifs - de 250 artistes en majorité contemporains, acquises au cours des cinq dernières années. L'exposition met en lumière la diversité et la complémentarité de la collection, avec une volonté affichée d'ouverture à la photographie contemporaine. Mêlant œuvres historiques et images récentes, c'est un condensé d'histoire de la photographie qui est esquissé ici. L'exposition s'articule autour de sept thématiques non chronologiques. Chacune d'elles propose de traverser un siècle d'histoire d'inventions formelles et d'évolutions techniques de la photographie : "La révélation surréaliste" ; "La chose exorbitée" ; "Les voies de l'expérimentation" ; "Réalisme poétique" ; "Portraits d'identité" ; "Documents contemporains" ; "Histoire, mémoire".

Ce parcours réunit ainsi des images surréalistes acquises lors des ventes André Breton en 2003 ou Brassaï en 2006, des pièces rares liées aux avant-gardes de l'entre-deux-guerres, comme de l'après-guerre. Sont également exposées des figures des mouvements artistiques des années 1960 et 1970, des auteurs majeurs du photo-reportage d'aujourd'hui, ou encore des œuvres contemporaines, récemment entrées au musée grâce à une importante donation de la Caisse des Dépôts.

Commissaires / organisateurs:
Mnam/Cci - Quentin Bajac - Clément Cheroux