Jennifer Gough-Cooper visite pour la première fois le musée Rodin, en février 1996 ; charmée par le site, son architecture, son atmosphère mais surtout par la façon dont la lumière pénètre l’espace et les objets, elle prend quelques photos couleurs de Adam et Eve. Etonnée par les résultats, « dans le mélange de lumière naturelle et de lumière au tungstène, les photos étaient presque abstraites », Jennifer Gough-Cooper décide d’entreprendre un travail photographique. Le musée l’accueille alors régulièrement dans ses murs, à Paris et à Meudon, et acquiert en 2000 une série de dix photographies qui renouvelle le regard porté sur l’œuvre de Rodin.

La lumière, la couleur, les jeux des reflets dans les vitrines et les miroirs sont autant d’éléments sur lesquels Jennifer Gough-Cooper s’appuie pour réaliser ses photographies. Elle s’attarde sur les détails, peut-être en écho à Rodin qui sculpte les fragments, et fait ressortir à travers ses photos la force expressive des sculptures de Rodin.

Anthony Caro a, tout au long de sa vie, puisé son inspiration dans de multiples sources et c’est à la suite d’un voyage en Grèce en 1985 qu’il réalise After Olympia. Cette sculpture abstraite conserve la composition triangulaire et la mise en espace de formes simples du fronton du temple de Zeus, à Olympie, dont l’artiste s’est inspiré.

Anthony Caro (né en 1924) est considéré comme l’un des maîtres de la sculpture abstraite, connu aussi bien en Europe, aux Etats-Unis qu’au Japon. Cette notoriété Caro l’acquiert dès les années 60, quand, abandonnant la méthode traditionnelle de modelage et de fonte en bronze, il modifie radicalement son travail et se tourne vers une création purement abstraite.

Cette première manifestation est destinée à faire un lien symbolique entre le passé et l'avenir de l'Orangerie en évoquant une de ses expositions passées les plus notoires et les plus fécondes, " Les Peintres de la réalité en France au XVIIe siècle ", organisée en 1934 par Paul Jamot et Charles Sterling. Cette exposition, où fut révélé l’œuvre de Georges de La Tour, allait profondément et durablement renouveler l'appréciation de l'art français du XVIIe siècle.

Outre une reconstitution virtuelle intégrale et la présentation d'un large choix d'œuvres originales présentées en 1934 (près de 80 peintures du XVIIe siècle, œuvres de Georges de La Tour, des frères Le Nain, de Philippe de Champaigne, etc., issues de prestigieuses collections publiques et privées), l'exposition de 1934 sera replacée dans son contexte politique et intellectuel par un substantiel " dossier " historique. Enfin, une forte section fera découvrir les consonances entre " peintres de la réalité " du XVIIe et du XXe siècle, avec une quinzaine d'œuvres de Maurice Denis, Picasso, Léger, Balthus, Hélion, ainsi que plusieurs peintres des années 30 qui furent fameux en leur temps et qu'on aura l'occasion de redécouvrir.

Empruntant ses sujets à l’actualité, à la presse « people », autant qu’à la littérature et aux maîtres de la peinture ancienne (Constable, Reynolds, Goya), l’artiste recrée des « intérieurs », comme « chez un collectionneur », où la réalité côtoie l’illusion. Ses installations prennent souvent la forme de décors de théâtre associant peintures, dessins, photographies, lumières et sons. Pour cette exposition Karen Kilimnik présente deux environnements dont un inédit, The Grotto, enveloppant le spectateur dans une atmosphère intime et mystérieuse.

Une soixantaine de peintures et dessins révèlent les thématiques de prédilection de l’artiste : portraits de princes et princesses imaginaires, chevaux, paysages nocturnes, châteaux, natures mortes. Inspirée par la « Vieille Europe » mais libre à l’égard de tout historicisme, l’artiste interprète et déconstruit les mythes à travers fantasmes et appropriations.

Commissaires : Laurence Bossé, Angeline Scherf, Anne Dressen et Julia Garimorth

Sur la base d’un ensemble de lettres récemment découvert, éclairant une profonde amitié entre les deux artistes, le parcours de l’exposition mettra en parallèle leur esthétique :
- les années de formation dans l’atelier de Gustave Moreau ;
- les paysages de 1917-1919 ;
- leur passion commune pour les saltimbanques et le cirque, représentée par Jazz de Matisse, par Cirque de l’Etoile Filante et Divertissement de Rouault ;
- leur collaboration avec Tériade pour la revue Verve dans les années quarante ;
- leur traduction personnelle de la poésie baudelairienne, les deux hommes ayant illustré Les Fleurs du mal.

Seront aussi évoquées les relations de Rouault avec son marchand, Ambroise Vollard, et avec le grand collectionneur parisien Maurice Girardin, dont la collection léguée en son ensemble à la Ville de Paris en 1953 rendit possible l’ouverture du Musée d’Art moderne.

La présentation du fonds Rouault du Musée d’Art moderne centré sur les années 1905-1917, regroupant cent trente peintures, gouaches, gravures et livres de peintre, sera enrichie par des prêts d’institutions parisiennes et de collections particulières, notamment autour des thèmes des pastorales chrétiennes et du cirque.

L’exposition bénéficie des prêts exceptionnels du Musée Gustave Moreau, du Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou et du Musée départemental Matisse, Le Cateau-Cambrésis. Sans visée rétrospective, cette manifestation fait écho à une actualité importante autour de Georges Rouault.

Commissariat : Jacqueline Munck

Son œuvre se nourrit de rencontres réelles et d’associations intuitives qu’elle ne cherche pas nécessairement à contrôler ou à orienter. Tacita Dean revendique la subjectivité de sa démarche, ses textes révélant une partie du contexte dans lequel elle travaille – ceux qu’elle a écrits sur Pie et Presentation Sisters sont reproduits ici.

La collection du musée d’Art moderne de la Ville de Paris compte aujourd’hui trois œuvres de Tacita Dean : Sound Mirrors (1999) qui a été montré dans les collections permanentes en 2002-03, Pie (2003) et Presentation Sisters (2005). En 2003, l’ARC lui a consacré une exposition personnelle où Pie, notamment, était présenté.

Tacita Dean est née à Canterbury (Kent) en 1965.
Elle vit et travaille à Berlin.

L’exposition comprend une centaine d’oeuvres. Outre la présentation des célèbres têtes composées issues de collections privées et muséales du monde entier, un important ensemble de tableaux (dont de nombreux portraits inédits), de tapisseries, et d'œuvres graphiques rend hommage à l’étendue de l’extraordinaire univers pictural de l’artiste, d’une richesse allégorique et formelle inégalée. Quelques oeuvres de comparaison, dont des d'objets d'art provenant du célèbre Kunstkammer des Habsbourg et des ouvrages illustrés en lien direct avec l'artiste, permettent d'appréhender le contexte socio-culturel de l’époque et de la cour des Habsbourg, pour une meilleure compréhension de sa production.

Cette exposition, placée sous la commissariat de Dr. Sylvia Ferino, conservateur de la Peinture italienne Renaissance au Kunsthistorisches Museum, est co-organisée par le Musée du Luxembourg et le Kunsthistorisches Museum, Vienne, où elle sera présentée du 11 février au 1er juin 2008.

Elle évoque tout d’abord la période 1890-1930, durant laquelle les artistes juifs new-yorkais issus de familles immigrées témoignent, dans leurs comic strips publiés dans les journaux yiddish et anglophones, des défis qu’ils affrontent.

Vient ensuite l’ère des super-héros, liée au processus d’intégration de la seconde génération d’immigrés. 1938 voit naître Superman. Suivent Batman en 1939, et Captain America en 1940. S’ils incarnent aussi des rêves liés à l’expérience et à la tradition juives, les premiers super-héros sont destinés à la nation américaine. Ils constituent une réponse rassurante et fantastique aux difficultés engendrées par la crise de 1929 et la montée des fascismes en Europe. Infatigables justiciers veillant à l’ordre du monde, ils défendent l’espèce humaine et les valeurs universelles du Bien et de la Justice. Ce n’est qu’après la Shoah que certains personnages seront dotés de signes spécifiquement juifs.

L’exposition consacre une large part à l’un des pionniers du comic book et du roman graphique américain, Will Eisner. Cofondateur de l’atelier de production Eisner & Iger Studio (1936), où travailleront quelques-uns des plus grands dessinateurs, il publie, dès 1940, la célèbre série du Spirit. Son premier roman graphique, A Contract with God (1978), sera suivi de A Life Force et de To the Heart of the Storm, œuvres mi-autobiographiques, mi-fictionnelles, qui nous offrent les exemples les plus construits de son travail mémoriel.

Dans les années 1950, certains artistes américains s’engagent dans la contestation politique (Harvey Kurtzman, fondateur du magazine MAD en 1952) ; d’autres, tels Bernard Krigstein et Al Feldstein, mettent en scène la confrontation silencieuse d’un rescapé des camps avec son bourreau (Master Race, 1955).

Dès 1972, Art Spiegelman entame le récit de la vie de son père, ancien déporté, qui aboutit à la publication de Maus en 1986. À sa suite, des auteurs reconstituent (Miriam Katin, Bernice Eisenstein, Martin Lemelman) ou imaginent (Joe Kubert) des destins personnels liés à la Shoah. Dans un autre registre, Ben Katchor propose une vision documentée et poétique de l’existence juive à New York, tandis que James Sturm met l’accent sur le processus et l’ambiguïté de l’intégration. À travers l’autobiographie émergent souvent des anti-héros en proie à la complexité de l’existence juive américaine (Jules Feiffer, Harvey Pekar, Aline Kominsky-Crumb, Diane Noomin).
En Europe, le récit graphique s’attache davantage à l’histoire qu’à l’autobiographie.
Les auteurs mêlent éléments historiques et fiction pour évoquer des périodes peu connues de l’histoire juive. Bousculant les conventions du genre narratif sur le judaïsme, Hugo Pratt (Corto Maltese, Koïnsky) fait cohabiter ses souvenirs d’enfance avec sa passion pour la Kabbale et pour les aventuriers.

À partir des années 1990, Vittorio Giardino se penche sur le sort des juifs européens (Max Friedman, Jonas Fink). À la même époque, en Espagne, Jorge Zentner et Ruben Pellejero introduisent la figure du Golem dans le contexte de l’émigration juive en Argentine (Le Silence de Malka). En France, l’artiste Joann Sfar thématise l’histoire et la tradition juives dans Le Petit Monde du golem, Le Chat du rabbin, Pascin ou Klezmer.

C’est pourtant à une séance de cinéma que l’on est convié. À celle qu’a sans doute organisée, à la fin des années trente, Sam Ringer, jeune étudiant à l’Académie des beaux-arts de Cracovie, et pour laquelleil avait réalisé sur calque un film intitulé Le Théâtre kasrilévien, d’après Sholem Aleikhem.

C’est un ruban de lanterne magique, qui, au terme d’un long voyage, a terminé sa route au Musée d’art et d’histoire du Judaïsme, offert par la fille de l’artiste, Catherine.

Deux mètres soixante d’images d’un shtetl en folie, se pressant au spectacle, des images cocasses, tendres et virtuoses, épousant au plus près la nouvelle de Sholem Aleikhem.

Alex Szalat, réalisateur, a fait, à notre demande, un film du film de Sam Ringer, et a demandé au comédien Rafaël Goldwaser de donner voix à tous les personnages de la nouvelle.

Le film, d’une durée de quatorze minutes, sera projeté en permanence dans la Chambre du Duc (collections permanentes, 1er étage).

Textes yiddish et français

UNE SECONDE UNE ANNÉE est une exposition collective qui débutera comme une exposition classique en un lieu donné. Les oeuvres qui ne seraient pas activées pendant la durée de l’exposition seront ensuite placées tels des parasites dans l’espace du Palais de Tokyo jusqu’au moment de leur activation. Ainsi, certaines pièces deviennent "visibles" plusieurs fois par jour, certaines ne s’activent qu’une seule fois, comme par exemple la célèbre pièce d’Alighiero e Boetti : une boîte contenant une ampoule qui ne s’allume qu’une fois par an. Interviews